El anorak de Picasso, publicado por editorial Candaya, se presentó en Barcelona en la librería Laie, con la presencia del destacado escritor Enrique Vila-Matas, quien junto al autor de la obra, José Antonio Garriga Vela, intercambiaron y dieron a conocer al público los pormenores de este maravilloso libro. A propósito, te regalamos un fragmento.

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Sinopsis:

“Si Walt Whitman encabezó uno de sus libros con aquel imponente “Quien abra este libro, no estará abriendo un libro: estará abriendo un hombre”, José Antonio Garriga Vela bien podría advertir de El anorak de Picasso “Quien abra este libro, no estará abriendo un libro: estará abriendo una casa”. Una casa encantada, por cierto, de la que Garriga Vela parece no haber salido nunca, a pesar de haber recorrido el mundo unas cuantas veces.

Hace quince años Garriga Vela publicó Muntaner 38, una hermosa novela que recuperaba la dirección de la casa de su infancia y donde tejía la realidad y la ficción con mano tan audaz que transcurrido el tiempo ni él mismo parece capaz de saber qué cosas pertenecen a la realidad y cuáles a la ficción, porque sus novelas están hechas, como todas las novelas importantes, de realidad imaginada y de ficción vivida.

En El anorak de Picasso, volumen que reúne textos que se entrelazan y que pueden ser relatos o ensayos o confesiones sin que importe mucho qué son, Garriga Vela cuenta alguna de las historias encerradas en aquella casa de Muntaner 38 donde fue niño y donde antes de que él llegara al mundo unos cuantos fantasmas impregnaron el aire con sus voces y sus imágenes. En el texto que inicia el volumen, se nos cuenta, por ejemplo, la historia maravillada de un anorak encargado por Picasso al padre del autor en su taller de la calle Muntaner, donde años antes Rusiñol y otros modernistas fundaron el Cau Ferrat. Un anorak que no pudo ser entregado sino veintitantos años después de que se hiciera el encargo. Así se van hilando las historias que conmueven y divierten en este libro que es una puerta de entrada al mundo de Garriga Vela, y también la puerta de entrada a una casa encantada. Encantada por la ficción y encantada por la vida.” (Juan Bonilla).

Más sobre la obra

La librería Alibri y Editorial Candaya invitan a la presentación del libro de Sergio Chejfec, Baroni: un viaje, en Barcelona.

Baroni: un viaje

del escritor argentino Sergio Chejfec

Presenta: Ignacio Echevarría

Llibreria Alibri, Balmes 26 (Barcelona ).

Martes 25 de mayo de 2010, a las 19.30 horas

Tras el espectacular éxito de Mis dos mundos (Candaya 2009, mejor novela del año según la revista Quimera) continuamos con Baroni: un viaje la publicación de la obra de Sergio Chejfec en España. De Mis dos mundos dijo Enrique Vila-Matas en Babelia: “El argentino Sergio Chejfec se debate entre las estrategias novelísticas presumiblemente antagónicas de Joyce y de Simenon. Entre la narración como arte y como discurso. El mundo interior y el exterior. En su novela Mis dos mundos se muestra cómplice de ambas tendencias y las combina abriéndose a prometedores territorios literarios”.

Baroni es un personaje real. Baroni es un personaje de ficción. Esta novela demuestra que ambas fórmulas no se contradicen. El personaje real es Rafaela Baroni, una reconocida artista popular que vive en un pequeño pueblo de la precordillera venezolana. Allí se dedica a tallar figuras de madera casi siempre religiosas, a curar enfermos, a predecir desgracias, a morirse. Baroni se muere y resucita: dos veces al año interpreta su propia muerte. El personaje de ficción es un ser borroso y multifacético que se transfigura en recuerdo, paisaje, experiencia múltiple o comunidad.

Baroni: un viaje es el desarrollo de una mirada oscilante, que va de la protagonista al país donde habita, de las incógnitas de la religiosidad popular a las no menos misteriosas condiciones de la creación artística. Como en todos los libros de Sergio Chejfec, en Baroni: un viaje el pensamiento representado ocupa un lugar central en el desarrollo de la escritura. Y una vez más, sus dudas y disquisiciones, unido a los seres limítrofes que elige exhibir, son la marca de un estilo muy personal.

Sergio Chejfec nació en Buenos Aires en 1956. Entre 1990 y 2005 vivió en Caracas y desde entonces reside en Nueva York.

Ha publicado las novelas: Lenta biografía (1990), Moral (1990), El aire (1992), Cinco (1996), El llamado de la especie (1999), Los planetas (1999), Boca de lobo (2000), Los incompletos (que contó con el apoyo de la beca Guggenheim, 2004), Baroni: un viaje (2007) y Mis dos mundos (Candaya, 2009). Es autor también de los libros de poemas: Tres poemas y una merced (2002) y Gallos y huesos (2003), y del libro de ensayos El punto vacilante (2005).

En http://www.candaya.com/baroniunviaje.htm puede consultar el dosier de prensa que hemos elaborado, así como algunas de las noticias y comentarios que van apareciendo en la prensa.

Para más información escribe a candaya@candaya.com

A propósito de su libro El mal de Q. – sus cuentos reunidos-, Revista de Letras le realiza una interesante entrevista.

Entrevista completa

El mal de Q. está dividido en tres partes temporales. La primera, conformada por los cuentos que se dan entre 1968 y 1970, con el título El despertar de la palabra; la segunda con aquellos que se escriben entre 1971 y 1975, con título El desierto y la leyenda; y, finalmente, La memoria en el exilio compila los producidos entre 1980 y 2009. Antes de comenzar con una lectura crítica de esos periodos, ¿qué sacude la vida de Antonio Tello durante estos años? ¿Cuándo se produce el exilio? ¿Más allá de una lectura narrativa hay una lectura política, vital o de exilio en esas fechas?

La extensa obra de la poeta venezolana es publicada en España por Editorial Candaya en Las nadas y las noches, un completo recorrido por los once libros escritos por María Auxiliadora Álvarez. Poesía del cuerpo como espacio emotivo, de la reconciliación y del estremecimiento, y que tuvo su primer lanzamiento en un acogedor encuentro en Barcelona.

Por Cristián Guerra Bravo

“hubiera podido reunirlo / el dinero doctora / vaca amarga castrada que me agrede / para tener mejor asistencia / su ojo más detenido / si el embarazo dura varios años / a medida que me hubiera ido inflamando / cada arcada….”

En la Llibreria Pròlog de Barcelona un silencio interminable es el protagonista. Un silencio emotivo y compartido ante cada palabra y frase de María Auxiliadora Álvarez (Venezuela, 1956). Más que la presentación de su libro Las nadas y las noches (Candaya, 2009) –un recorrido minucioso por sus once libros- es un encuentro con la poesía, con la palabra viva, con el sentimiento de una mujer que no tiene comparación en las letras femeninas, siendo hoy una de las grandes poetas contemporáneas de nuestra lengua.

Y continúa leyendo. Y el silencio persiste.

“cada pelo que cayese / cada estría / lo hubiera ido guardando / recordando / su baba / bata blanca sanguinaria /  porque yo trabajo mucho / vaca baba bata blanca corrosiva que me agrede / lo hubiera ido reuniendo / desde niña / de haber tenido alguna pequeña inflamación / que lo indicara / a medida que usted fuera estudiando yo lo estuviera contando…”

Treinta años de exigente creación literaria

La primera etapa de la poesía de María Auxiliadora Álvarez se centra en sus dos primeros poemarios: Cuerpo (1985) y Ca(z)a (1990). Dos obras que causaron alto impacto en el público lector y en la crítica especializada de su país y que la catapultaron como unas de las poetas más prometedoras de Venezuela.

Pese a los seis años que separan a estas obras, ambas poseen un fondo poético semejante: el dramatismo. Un dramatismo inscrito en diversas temáticas. Mientras en Cuerpo los poemas recorren una línea física por medio de la maternidad, el parto, el dolor (… usted nunca ha parido / no conoce / el filo de los machetes / no ha sentido / las culebras del río / nunca ha bailado en un charco querida / doctor…); en Ca(z)a los poemas transcurren en una zona colectiva, en la familia, y en la aparición de la figura maternal y paternal (… la gran familia es una herida de muerte / que no se muere…).

inmóvil (1996) -según precisa el destacado crítico y prologuista de Las nadas y las noches, Julio Ortega- “Reúne un rutilante puñado de poemas debidos a la intensa contemplación del presente: cada poema es un dibujo preciso, y a la vez enigmático, que define la bondad del lenguaje, su capacidad de definir y recobrar la memoria” (… protegidos / por su naturaleza / viven los ecos/ los ecos nunca dudan / sólo se ejercitan / aceptando…).

Después de escribir estos tres primeros poemarios, María Auxiliadora Álvarez decide -luego de la muerte de su padre- experimentar una experiencia en el extranjero, volver a recomenzar fuera de su natal Venezuela. Se instala en Estados Unidos, donde estudia Letras Hispánicas, y a la vez, comienza un nuevo camino poético, más libre. Una libertad que de algún modo, se despoja de sí misma.

Una fase creativa que incluye poemarios publicados e inéditos, pero que de todos modos son parte de una misma nueva etapa.  Y allí el plus de esta edición de editorial Candaya: la inclusión de sus cuadernos inéditos, dándole a la obra de María Auxiliadora Álvarez una integridad y continuidad en todas sus épocas.

Veamos algunos casos de su obra:

En Páramo solo (1997) –como dice Ortega- “Es ella misma pero es otra, capaz de mediar entre el mundo y la palabra, con la rara suficiencia de su música interna y su intensidad visual” (un hombre pobre / no tiene recuerdos nuevos / porque un hombre pobre no tiene memoria / donde guardarlos).

Resplandor (2006) y Las regiones del frío (2007) pueden precisarse como dos poemarios de transición en esta nueva etapa y que dan cuenta, sí, de esa intensidad visual de que nos habla Julio Ortega (… La mañana / tiene una suave / luz / que se mueve / lentamente / Es mi padre / que quiere / hablarme…).

El último poemario incluido en Las nadas y las noches, Paréntesis de estupor (2009), contiene la última parte de su creación poética. Un cuaderno que, según Julio Ortega, “le abre la puerta a otro discurso, el de un relato fragmentario en que el lenguaje poético trama la luz y la sombra, la presencia y la ausencia, la vida y la muerte…” (el salto del conejo fue más rápido para confrontar su destino /  [que las hojas nuevas /  Pero ellas se fueron elevando poco a poco a fin de cumplir / [su cometido Tanto como / la incidencia de la Silueta sobre el aire hendiendo con su / [golpe El polvo por venir).

La poesía de María Auxiliadora Álvarez ha sido objeto de larga reflexión en suplementos, revistas y estudios académicos, pero es en sus propias palabra donde encontramos las claves de su poética y de la evolución de su obra:

“Había otra realidad detrás de las palabras, y detrás de la apariencia de la realidad. Eran palabras más fuertes que decían más, que tornaban fuerte lo que parecía ligero, y aligeraban lo que parecía pesado. De este modo el mundo inextricable abrió una pequeña puerta para mí, y mi mente se hizo, o se reconoció, metafórica”.

“Es posible que mi primera poesía haya construido una herida de palabras, pero creo que esa herida ha empezado a cicatrizar en la nueva poesía que escribo de unos años para acá. ¿Qué decir de esto? No sabría explicar, me imagino que las heridas y sus cambios tienen relación con la vida. Mi poesía se refiere a procesos existenciales que poseen una dinámica interna. Yo soy apenas un ser escribiente y viviente, un eterno aprendiz en ambos sentidos”.

El público sigue atento, y la voz de María Auxiliadora Álvarez prosigue la lectura de sus poemas, como un eco interminable, comprometido, solidario, que rodea cada pedazo del salón en donde se congregan los presentes.

Ahora su poesía está viva en España. Seguirá su largo camino, ese que comienza ahora acá en Barcelona, hasta quizás dónde…

“… abajo / al centro de mis cuclillas / donde ahora usted lo busca / su baba blanca castrada / no se le hubiera ensuciado / con mis fragmentos acuosos / hijo carnicero órgano semental / hubiera podido reunirlo / el dinero doctora / porque yo trabajo mucho /bata amarga vaca blanca”.

Las nadas y las noches

María Auxiliadora Álvarez

Candaya

2009

©2taller

La poeta venezolana

Las nadas y las noches, la primera obra que María Auxiliadora Álvarez publica en España, es un minucioso recorrido por sus once últimos libros: desde el ya mítico Cuerpo (1985) al todavía inédito Paréntesis del estupor (2009). Casi treinta años de exigente creación poética de una de las grandes poetas contemporáneas de nuestra lengua, incluida en antologías tan importantes como Las ínsulas extrañas (Galaxia Gutemberg), Casa de luciérnagas. Antología de poetas hispanoamericanas de hoy (Bruguera) o Diez de Ultramar. Joven poesía latinoamericana (Visor). Poesía de la reconciliación, del estremecimiento de reconocer la gracia y el horror del mundo varias veces dividido entre fronteras y distancias,  María Auxiliadora Álvarez ha sido capaz de darle intimidad al pensar del poema, desde esa ética rigurosa de decir sólo lo suficiente.

Detalles de las presentaciones:

• Barcelona (Llibreria Pròleg, Sant Pere més alt, 46)

Día: Sábado 10 de abril a las 18 horas.

Presenta: el poeta Rodolfo Hassler.

• Córdoba (Cosmopoética. Poetas del Mundo en Córdoba. Feria del Libro. Edificio Municipal Avda. Gran Capitán)

Lectura en la Feria del Libro: María Auxiliadora Álvarez (Venezuela), Pere Gimferrer (España), William Ospina (Colombia), Fátima Naoot (Egipto).

Día: Sábado 17 de abril a las 12 horas.

• Cuenca (Biblioteca Pública Fermín Caballero, Glorieta González Palencia, 1)

Dos voces venezolanas: María Auxiliadora Álvarez y Cristina Falcón leen y comentan Las nadas y las noches y Memoria errante.

Día: Lunes 19 de abril a las 19.30 horas.

Organiza: Club de lectura Asociación de amigas de la lectura.

• Salamanca (Aula Magna de la Facultad de filología de la Universidad de Salamanca, Palacio de Anaya, Plaza Anaya)

Ciclo de Poesía “Intersecciones”

Día: Miércoles 21 de abril a las 19 horas

Presenta: la poeta y profesora de la Universidad de Salamanca María Ángeles López

• Murcia (Café Five, Pintor Pedro Orrente, 6, Vistalegre, Murcia)

Recital y tertulia poética con María Auxiliadora Álvarez

Día: Domingo 25 de abril, a las 13 horas.

Presenta: el poeta José Antonio Martínez Muñoz

• Madrid (Librería Juan Rulfo, Fernando el Católico 86)

Día: Lunes 26 de abril, a las 19 horas.

Presenta: el poeta Jorge de Arco.

• Barcelona (Asociación Cultural Arthotel, Basses de Sant Pere 10, cerca del metro Arc de Triomf)

Ciclo Poesía+Poesia. Lecturas de María Auxiliadora Álvarez, Ramon Farrés y Mateo Rello

Presenta: Carlos Vitale.

De la mano de Editorial Candaya se traduce al español una de las obras claves del narrador japonés: Idéntico al ser humano. Escrita con ironía, humor y una tensión magistral, deja al desnudo las crisis de supervivencia del ser humano frente a las estructuras del mundo contemporáneo. Además, sostuvimos una amena conversación con Ryukichi Terao, su traductor.

Por Cristián Guerra Bravo

Me gusta la palabra “tensión”. Me atrapa, me envuelve. Cuando me enfrento a un libro, busco insaciablemente que este concepto forme parte del relato. Si es así, el libro cumple con una de las claves que yo me impongo como lector al momento de abordar a un autor.

La “tensión” como un elástico que se estira hasta el final, para retornar al punto de inicio y volver a estirar, nuevamente hasta el final. Y convertirlo en un círculo vicioso sin término, donde los elementos confluyen, van y vienen, para mantenerte despierto. Siempre alerta.

Cierro el libro Idéntico al ser humano de Kobo Abe, después de leer su última frase: “Sí, quiero saber: ¿todo esto será la consecuencia de una fábula sometida por la realidad o de la realidad rendida por una fábula? Me gustaría preguntárselo a usted, que está situado fuera de este tribunal. El lugar donde se encuentra ¿pertenece a la realidad o a la fábula?…”.

La “tensión” persiste. Siento que es interminable. Sí. Kobo Abe (Japón, 1924-1993) es tenso desde donde se le mire. Y desde allí nos formula preguntas que no estoy seguro si estamos en condiciones de responderlas. O nos quedamos o huimos ¿Cuál es la salida? Es lo que nos ofrece Idéntico al ser humano, un libro clave de uno de los escritores japoneses contemporáneos más importantes. Es así que, de la mano de editorial Candaya,  tenemos a disposición en las estanterías españolas un autor único en su estilo. Un estilo propio, lejos del color local que caracteriza a la tradición literaria japonesa. Un autor que incorpora elementos de la modernidad: como la ficción científica, la seducción por el lenguaje de las matemáticas y una reflexión profunda y certera sobre la convivencia en las ciudades impersonales de nuestro tiempo.

Kobo Abe, un autor moderno

Sinceramente no conocía a Kobo Abe, ni siquiera su novela más famosa, La mujer de la arena (1962). Pero sólo me bastó con chequear algunas reseñas e investigaciones al respecto para percatarme de que estamos ante un autor potente. En Japón es otra historia: se ha ganado los premios literarios más importantes que se pueden entregar en aquel país, y como si fuera poco es admirado por sus contemporáneos, escritores tan célebres como Kenzaburo Oe y Yukio Mishima.

Es catalogado por muchos críticos de su país como “El Kafka japonés”.

A propósito del lanzamiento que editorial Candaya preparó para la ocasión en Barcelona, estuvo de paso el propio traductor de la obra al español –traducción directa desde el japonés- Ryukichi Terao, y sin duda, las observaciones y opiniones que nos regaló sobre el mundo abeano fueron particularmente valiosas para los que no conocíamos los libros de este maestro japonés.

En el barrio de Grácia, frente a dos cafés cortados, y con mi grabadora de por medio, nos reunimos a conversar de Kobo Abe. Sobre su obra y en especial sobre Idéntico al ser humano. Quería transmitirle mis sensaciones sobre la obra. Y despejar ciertas dudas, obviamente.

Y con una frase, Terao me lo dejó más que claro: “Kobo Abe siempre ha sido una oveja negra en la literatura japonesa. No tiene absolutamente nada de local, ni trata de explotar lo que es propio de Japón. Él siempre se consideró un escritor del globo terráqueo, como lo manifestó en un artículo escrito en los años ochentas. Quería pasar como un cosmopolita, en el buen sentido de la palabra. Hay lectores que dicen que su mundo es complejo y que no lo entienden, pero los aficionados a la literatura lo siguen leyendo hasta hoy en día; en Japón se consiguen muchísimos libros de Abe en formato de bolsillo y es un autor prácticamente arraigado en la literatura japonesa. De los más importantes”.

Y agrega: “Además, hay muchísimos jóvenes que lo siguen. A nivel universitario es muy leído, de hecho, los profesores lo utilizan recurrentemente en sus clases”.

Según críticos de su país, su literatura inspira modernismo y vanguardismo desde donde se le mire. Una visión transgresora del mundo que muchas veces se aleja a pasos agigantados del color local que caracteriza a la tradición literaria japonesa. Y así me lo dejó claro la lectura de su libro.

“Le interesaba sobre manera lo más fundamental, la esencia, la crisis de la identidad en lo más profundo, no los colores locales. La existencia humana. La incomunicación entre las personas modernas, el no saber quiénes somos.”, agrega Ryukichi Terao.

Es un autor particular. No sabes si te está hablando en broma o en serio. Porque aparte de esta tensión que está inmersa en su relato, hay una ironía escondida. Una ironía sin duda construida con bases sólidas. Desde su propia búsqueda. Búsquedas para entender el mundo, o por último cuestionárselo.  Porque al fin y al cabo, sus personajes son preguntas, son reflexiones ante la modernidad, ante lo que nos rodea, ante lo que nosotros como seres humanos no nos preguntamos y ni siquiera nos detenemos a pensar. Kobo Abe sí lo hace. Y quizás allí se encuentra su clave.

Gregory Zambrano, prologuista de Idéntico al ser humano, nos deja una reflexión maravillosa: “Kobo Abe propone un modelo narrativo más comprometido con la crisis de sobrevivencia de sujetos sometidos a los rigores de esa dinámica social, movida por las leyes del mercado y del desarrollo tecnológico. Quiere mostrar las profundas y vertiginosas transformaciones dictadas por las rupturas de la modernidad”.

Una tensión que va y viene

Idéntico al ser humano es una obra mayor entre los libros de Kobo Abe. Escrita originalmente en 1967, tiene todos los elementos que destacan a Abe como un novelista superior.  La fuerza del relato, la tensión –para mi su secreto- en los diálogos y cómo estos construyen escenarios agobiantes, asfixiantes. Quizás ahí la cercanía con Kafka: el problema de la identidad y el desasosiego de no saber quién se es ni quién es el otro y esa crisis de supervivencia del ser humano en el mundo contemporáneo.

“Es una novela que evidencia un aspecto muy importante del autor. El libro está lleno de exploraciones existencialistas de Kobo Abe. Para los lectores que no han leído ninguna obra de este autor, Idéntico al ser humano puede servir como una introducción al mundo abeano”, dice Ryukichi Terao.

Es una historia, como bien dije, donde no encontramos a Japón por ninguna parte. La historia en sí no tiene nacionalidad; bien puede suceder en Nueva York como en San Pablo. Lo importante es lo que sucede con los personajes. Y ese es otro punto importante: la novela está construida con pocos personajes, y a pesar de eso, es capaz de mostrar con éstos escenarios complejos, situaciones límites de un mundo íntegro sólo en pequeños fragmentos de acción.

He aquí el narrador. Un periodista radiofónico que conduce un programa sobre marcianos. Construye un mundo ficticio en donde los radioescuchas son protagonistas de las historias del espacio radial. El narrador ha hecho de este mundo ficticio algo real –en apariencia- que se ha convertido en su sustento, en su equilibrio dentro de las complejidades de la modernidad. Es, a fin de cuentas, lo que lo mantiene en pie.

Pero la noticia del despegue de un cohete que aterrizará inminentemente en Marte produce un giro a la supuesta estabilidad del narrador. Una noticia que puede desbaratar completamente todo su imaginario y el de sus oyentes. El temor que la realidad pueda desbaratar todo su ideario de ficción es lo que lo pone en alerta, en busca de una solución antes de que sea demasiado tarde.

Y en eso llegamos al diálogo. A ese tenso diálogo entre dos personajes. En el estudio del narrador se produce uno de los momentos claves de la historia, cuando en su domicilio lo visita un oyente que asegura ser un marciano “idéntico al ser humano”. Y desde aquel punto se desencadena ese elástico de tensión que mencioné anteriormente.

“Un desconcertante e incómodo diálogo en el que, al modo beckettiano, se transita fácilmente de la lucidez al delirio. Con un impecable manejo de la alegoría y de la sátira, Kobo Abe se servirá de las irritantes palabras de estos dos seres extraviados para enfrentar al lector a algunas de las obsesiones que lo han emparentado con Kafka o Camus: el problema de la identidad y el desasosiego de no saber quién se es ni quién es el otro, el cuestionamiento de la noción de realidad o la crisis de supervivencia del ser humano frente a las estructuras dislocadas y caóticas del mundo contemporáneo.”

En el prólogo, Gregory Zambrano nos entrega algunas pistas: “Si nos atenemos a la duración de las acciones, estaremos en el interior de una cápsula del tiempo, magistralmente administrada, para dar la sensación de alargamiento cuando en verdad han transcurrido apenas unos pocos minutos. Abe cuida los detalles y procura que el narrador suministre los elementos minuciosos del conteo temporal. La tensión dramática se sustenta en un juego del tiempo sometido a los rigores de la duración einstetiana: un instante de tortura parecerá  eterno mientras que la duración del goce siempre será demasiado breve”.

Idéntico al ser humano tiene un argumento claro y sin grandes complicaciones: el saber quiénes somos y quién es el otro. Qué hacemos y hacia dónde vamos. Una obra que hará reflexionar, al momento en que Kobo Abe formula preguntas que nunca se han querido responder.

Y vuelvo a repetir la pregunta: ¿Huyes o te quedas?

Ryukichi Terao: “Es una traducción que fluye con bastante facilidad”

Ryukichi Terao es un académico japonés de la Universidad Ferris, con una larga trayectoria en investigaciones literarias en varios países de América Latina. Su enorme experiencia como traductor es demostrada en esta obra publicada al español por Editorial Candaya.  Sostuve una amena charla con él para que nos contara algunos detalles sobre la traducción. Les extraigo algunas frases valiosas de Terao que dejó como resultado esta mini entrevista.

“Idéntico al ser humano está escrito en un estilo, en parte, complejo para su traducción. Además, Abe utiliza diversas palabras científicas para sustentar su relato. El autor aprovecha el conocimiento científico para criticar a la ciencia, y en ese caso el problema es doble para mi como traductor, porque en ocasiones inventa cosas o palabras que no existen. Quizás en ese sentido, fue la parte más difícil de traducir”.

“Para aquello, debo estar consultando en todo momento con Gregory Zambrano (el prologuista) y al mismo tiempo averiguar algunos elementos de la misma ciencia. De hecho, tuve que entrevistarme con algunos especialistas para aclarar algunos conceptos básicos”.

“Yo no estoy en condiciones de juzgar mi propia traducción. Pero si tengo que decir algo, bueno, me parece una traducción bien correcta. Estoy seguro de que no hay ningún error de traducción. Es una traducción que fluye con bastante facilidad”.

“Japón es prácticamente inexistente en esta obra, por lo mismo, esta historia puede suceder en cualquier lado del mundo. Los lectores españoles no tendrán problemas al leerlo, ni complejidades de interpretación. Sí disfrutarán mucho de su lectura, ya que es un libro muy ameno. Será bien recibido por el público”.

“Los buenos libros exigen un estilo, exigen un cierto uso de palabras. Yo siempre traduzco las obras que me gustan, que me conmueven y me sensibilizan. Si no rechazo las traducciones. No traduzco por encargo, ni me interesa el aspecto económico. Lo hago por placer. Este libro me exigió un cierto estilo y giro, y comparando las dos versiones pienso que logré transmitir el transfondo secreto de la novela, eso que está inmerso en la versión original”.

Idéntico al ser humano
Kobo Abe
Candaya
2010
167 páginas

©2taller

invitación completa pincha en la foto

Presentación Idéntico al ser humano de Kobo Abe

Miércoles 23 de marzo, Librería Laie de Pau Claris 85,

Barcelona, España

Invita Editorial Candaya

]]> http://espaciocandaya.wordpress.com/2010/03/23/presentacion-de-identico-al-ser-humano-de-kobo-abe/feed/ 0 edcandaya INVITACIÓ-24-03-10-Candaya http://espaciocandaya.wordpress.com/2010/03/01/poesia-y-musica-gauchesca-en-la-presentacion-de-el-mal-de-q-de-antonio-tello/ http://espaciocandaya.wordpress.com/2010/03/01/poesia-y-musica-gauchesca-en-la-presentacion-de-el-mal-de-q-de-antonio-tello/#comments Mon, 01 Mar 2010 17:17:07 +0000 edcandaya http://espaciocandaya.wordpress.com/?p=82 ]]> Queremos informarte de la presentación en Barcelona del libro de cuentos El mal de Q., del escritor catalano-argentino Antonio Tello.

Lugar: Barcelona (Casa de América Catalunya, Còrsega 299, entr.)

Día: Martes, 9 de marzo a las 20 horas.

Presenta: la escritora y profesora de la Universidad de Barcelona Anna Caballé.

Intervendrán: los músicos Jorge Sarraute y Carlos Padula, y el autor Antonio Tello.

La presentación irá seguida del excepcional espectáculo Poesía y música gauchesca en el arte de contar, donde se alternan (cantados y recitados)  textos clásicos de la poesía gauchesca, como el Martin Fierro de José Hernández o La cautiva de Esteban Echevarría,  con la lectura de fragmentos de los cuentos de Antonio Tello. Jorge Sarraute estará al piano, Carlos Padula a la guitarra y Antonio Tello, pondrá la voz.

Esta presentación-espectáculo será el lanzamiento en España de este excepcional libro, que recoge los cuentos completos de Antonio Tello, un escritor argentino de larga e interesantísima trayectoria que vive en Barcelona desde 1975.

©Fotografía de Jorge Tello

Editorial Candaya publica en España El mal de Q. libro que reúne los cuentos escritos por el narrador argentino entre los años 1968 y 2009. Nos reunimos con su autor en Barcelona para charlar íntimamente sobre los diversos tópicos que conforman su obra literaria, donde el destierro ejerce un protagonismo crucial.

Por Cristián Guerra Bravo

Antonio Tello (Argentina, 1945) me recibe en su estudio, en Barcelona, durante una fría mañana de febrero. Estamos en pleno invierno europeo. Me invita a sentarme, mientras los cientos de libros que llenan su estantería me miran fijamente. Sobre su escritorio, un libro abierto. Cómo no.

Saco mi grabadora y el libro que me he estado leyendo esta última semana: El mal de Q. (Candaya, 2009), volumen de cuentos escritos por Antonio Tello entre 1968 y 2009. Relatos que en su conjunto son una pieza crucial de la literatura argentina. A propósito, me comuniqué con él para charlar sobre su nuevo trabajo que editorial Candaya publica en España.

Y aquí estamos. Frente a frente.

“Siempre me muevo dentro del mismo universo narrativo. Cuando me propongo escribir no sólo cuento historias, sino que averiguo todo lo posible sobre la condición humana y el contexto en que se mueven los individuos”, me dice de entrada.

Y continúa: “Las historias son pequeñas parcelas, pequeñas moléculas aisladas. Lo que hago es crear todo un universo para situar en éste a mis personajes. Por eso no hay una diferencia radical entre mis cuentos, pese a que fueron escritos en diferentes épocas”.

¿Pero hay una evolución natural en ellos?
“Los cuentos de la primera etapa y los de la última -que siguen siendo los de La memoria del exilio- sí evolucionan. En la primera parte prevalecía el aspecto social, la comunidad como tal; en los últimos prevalece el individuo enfrentado a su propia derrota, o a sus propios problemas, pero no como un miembro de un colectivo”.
En El Arquitecto, el narrador experimenta un drama personal con respecto a su propia obra. Un miedo a la equivocación, al detalle inconcluso…
“Exactamente. El personaje se da cuenta al acabar la obra –que es aplaudida por todos los demás- que ha cometido un grave error: ha confundido a la perfección con la belleza. Él se siente atrapado en su propia obra, en su propio error y el único modo de eludir esa prisión es la muerte. Por eso se suicida”.
Un personaje típico en su universo narrativo…
“Ese personaje está enfrentado dentro de un drama muy particular. Yo estaba escribiendo en ese tiempo Los días de la eternidad y la novela tenía algo que no era cierto. Algo falso. La estructura estaba correcta y se podría haber publicado perfectamente, pero yo sentí que había algo que no funcionaba. Y me dí cuenta que era la música ¿Qué había pasado? Yo no lo sabía en ese momento. Lo descubrí a raíz del cuento El arquitecto -y de un poema que escribí acerca de un relato de Lovecraft llamado El color que cayó del cielo- que el problema estaba en mi voz. Mi voz narrativa había cambiado. Llevaba varios años viviendo aquí (en Barcelona) y mi identidad había cambiado y yo no me había dado cuenta. Entonces utilicé el punto de partida de El arquitecto para tratar de encontrar esa voz”.
Un cuento clave entonces…
Por supuesto. Así surge una novela, El hijo del arquitecto, donde narro distintas etapas de la historia del arquitecto como artífice de la creación de mundos, de espacios, donde el ser humano puede vivir. Se va enfrentando al poder, a la materia, a diferentes aspectos y etapas de la historia de la humanidad. Es así como surge El arquitecto y cuyo principio es: “Un puñado de cenizas al viento, el viento que esparce las cenizas sobre el mar, sobre el tiempo, polvo leve y gris que se pierde …”. En esas carencias es donde intento dominar el lenguaje para encontrar mi propia voz”.

Y vaya que le resultó.

El desarraigo de un poeta

Antonio Tello nació en Villa Dolores, Argentina, en 1945. Ya desde muy niño que la palabra desarraigo habita en su mundo. Lo sigue en cada paso que da. Se fue mudando de pueblo en pueblo: esos sentimientos de pérdida, de ausencia, esas añoranzas por un paisaje, por una esquina o un amigo, siempre lo han secundado. Hasta el día de hoy.

A los 8 años sus padres se mudaron de su ciudad natal. El desarraigo comenzó ya en sus primeros años de vida.

En la localidad de Río Cuarto fue donde estuvo más tiempo. Pero a los 30 años se fue. En 1975, tras ser amenazado de muerte, consigue salir de su país con su familia, gracias al apoyo de Amnistía Internacional. Luego de una breve estancia en París, se radica en Barcelona, donde trabaja en varios medios de periodismo escrito, radiofónico y televisivo. Ha desarrollado casi toda su obra literaria en la Península, por lo mismo, a ésta se le ha llamado literatura del exilio. Pero Antonio -al preguntarle- repara en aquel término.

“Exilio no es una palabra que me guste porque tiene connotaciones políticas. Prefiero hablar de literatura del destierro. Al menos en mi caso. No sólo porque la escribí aquí en España, sino porque desde antes comenzó siendo del destierro. En mi primer libro de relatos, El día que el pueblo reventó de angustia, el cuento principal habla de un éxodo y fue muchos años antes que me ocurriera el destierro”, enfatiza.

Pese a aquello, no le molestan en lo absoluto las etiquetas con que es denominada su literatura: “Pero sí es una literatura que habla del desarraigo, de la angustia, del saber que tus raíces siempre están en el aire. Mi experiencia vital parte desde el desarraigo”, agrega

Siempre seremos extranjeros fuera de nuestras tierras, en ese sentido ¿De qué manera está presente Barcelona en la creación de su obra literaria?
“Está muy presente. Pero Barcelona es algo muy personal, es decir, la Barcelona que yo cuento no es la misma que puede contar un catalán, un barcelonés. Está la mirada del que viene, del que la desea como ciudad para vivir. Para mí, Barcelona es la ciudad del deseo. La ciudad de la paz, de la tranquilidad, de ese deseo de asentamiento. Pero procuro no nombrarla, como también procuro no nombrar a Argentina. Es muy difícil que aparezca el nombre de Argentina o de mi ciudad en algunos de mis relatos”.

El universo literario de un poeta

Hubo relatos de Antonio Tello que nunca fueron publicados. Y que hoy después de muchos años vieron la luz. Son cuentos que no estaban realmente acabados. Por diversas razones. Para este autor, todo poeta tiene que ser un hombre paciente ya que la desesperación por publicar a veces te lleva a entregarle al lector cosas inacabadas e imperfectas.

“Hay que buscar la perfección y la belleza. La armonía es muy importante. Hay cuentos que han estado apartados de toda publicación. Pero te aclaro una cosa: no he publicado casi nunca en revistas, salvo en una oportunidad. A veces han sido anticipados en algunas publicaciones, pero nunca publicados íntegramente. Hay uno, El Martínez, que estuvo casi treinta años sin publicarse –lo escribí en Argentina- hasta que un día caminando por Avenida Diagonal supe cuál era la corrección que tenía que hacerle”, me cuenta.

Era la corrección de la última línea del texto.

¿Es importante en este caso el concepto “corregir”? se lo pregunto por el tiempo entre escritura y publicación…

“Te lo especifico en El Martínez. Este es un cuento que escribí hace treinta años atrás como te había dicho, pero su personaje siempre me estuvo rondando. En todo momento. Estoy dentro del mismo mundo narrativo que él. A los personajes me los encuentro. Me están hablando, siento sus voces. Cuando estoy escribiendo los siento a través de sus carencias, siento a través de sus propias voces que algo no funciona”.
Y a través de la misma escritura ¿O no?
“El mismo ritmo narrativo de un cuento te lleva a perfeccionarlo. Vas llenando los vacíos poco a poco. Los corriges y los dejas allí. Luego vuelves, mejoras, trasladas los párrafos. Nunca me canso. Los voy trabajando hasta que compruebo que cada frase, cada palabra, tiene sentido”.
La decisión de un recurso narrativo por sobre otro es muy determinante, por ejemplo, el uso de cursivas presentes en sus textos…
“Cuando hablamos del lenguaje no sólo son las palabras, sino que todos los recursos que te permiten las modificaciones gráficas. Todos ellos son denotativos. Si pones una cursiva estás llamando la atención, sobre todo si la ocupas en un contexto de letras redondas. O cuando utilizamos adverbios para acompañar a un verbo o adjetivos para modificar a los sustantivos. No hay que usarlos tan seguido porque cuando de verdad quieres denotar una acción en el relato, la pierdes. Si prescindes de estos elementos es el silencio el que está funcionando, y si metes una cursiva, una coma o un punto, o frases cortas seguidas, alteras muchísimo el sentido de las palabras”.

Señor Q.

Los cuentos reunidos en El mal de Q. son enigmáticos y tensos. Revelan la obstinación del autor por el lenguaje y por la constante lucha del ser humano contra la adversidad y la violencia del mundo. Personajes que transitan por un presente inestable donde sus identidades son trastocadas.

Son relatos brutales.

“…Y aunque grite la gente no me oye. No me oyen y están todos juntos. Pasan juntos. Y su cuchillo brilla. Sí, está ahí, lo estoy viendo. No, no quiero que me mate, no, No quiero morir. ¡no quiero que me maten! ¡No se acerquen! ¡No quiero, no quiero! ¡No me maten!
Al rato los gritos se perdieron con el lamento de una sirena y el ómnibus retomó su viaje urbano. Yo también”.

Escribe Tello en Un viaje urbano, el sexto cuento de este volumen.

El mal de Q. le da el título al libro ¿Qué tiene este relato por sobre los demás?
El mal de Q. es una etapa importante de mi universo literario. Aquí es evidente que la línea de supervivencia ha sido lograda, pero la derrota no ha sido superada. Y esa derrota ya no es colectiva, sino individual. Es el hombre enfrentado a sí mismo. El mal de Q.  no es un mal que esté tratado desde el punto de vista colectivo, es la decisión del hombre que hace que padezca ese mal. Lo que he procurado es que los títulos de mis libros de cuentos que he publicado a lo largo de mi vida representen la última etapa. El momento más importante. Y este título es muy significativo en ese sentido”.
El juego con los libros llamó mucho mi atención. Ese juego entre el personaje y la fantasía…
Los libros que enferman a Q. están ya pasados por el tamiz del absurdo, del vacío y de la nada. Lo único que le dejan en la sangre es tinta. Pero nada más. Es el triunfo ya no de la fantasía anquilosada, como en el Quijote de Cervantes, sino de una falta de fantasía. Este hombre no quiere soñar, Q. no quiere la fantasía, sólo quiere acomodarse a este entorno; Q. es la quinta esencia de todas las persona de esta sociedad moderna. La del orden y que nada altere sus vidas. Se están llenando de mal. Sus vidas están oscurecidas por dentro. Ellos deben enfrentarse a la fantasía pero al enfrentarse se descubren y les da miedo ¿Quiénes somos en realidad? ¿Somos personas, enfermos o insectos? en esta sociedad de hormigas o de cucarachas. Ese es el sentido que he pretendido darle a este cuento”.

El mal de Q.

Antonio Tello

Editorial Candaya

Noviembre 2009

208 páginas

©2taller

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